Steal Away

Whitesnake [ D.Coverdale/M.Moody/B.Marsden/N.Murray/P.Solley/D.Dowle ]

1978年、WhitesnakeのデビューEP『Snakebite（４曲入）』の収録曲で、最初期Whitesnakeのライブでの重要なレパートリーだった曲。Whitesnakeがブルースやカントリーの影響を受けていることがよく分かる曲だ。

ミッキー・ムーディ得意のスライド・ギターが使われているが、個人的には後の「Love Hunter」や「Slow An' Easy」よりも大好きな曲だ。そういえばライブ・アルバムの『Live…In The Heart Of City』の中でミッキーのソロ・タイムの中でこの曲のリフを少し弾いて、結構歓声が上がっていたなぁ。

そのスライド・ギターを見ていこう。出だしからズ太いレスポールの音で、スライドならではのラフな雰囲気を出していて、とても印象的なフレーズだ。曲の半分はこのスライドのリフだけで決まりだろう。

このスライド・ギターだが、オープンＧ・チューニングで弾かれている。６弦から順に「GBDGBD」でチューニングする。２～４弦はレギュラー・チューニングと同じだ。ノーマル・チューニングでも感じは出せるが、オープンＧの方が何かと便利なのだ。

まず最初のリフ。オープンＧなのでお間違えなきよう。同弦移動はすべてスライドで。６弦7F、9F、５弦8F、12F、10F、8F、６弦0F、これを２回。６弦7F、9F、５弦8F、12F、４弦12F、５弦12F、10F、8F、６弦7F、指で9Fを半音チョーキング、9F、４弦7Fのハーモニクス、３弦7Fのハーモニクス、２弦7Fのハーモニクス。３回目は６弦7F、9F、５弦8F、12F、10F、8Fまで弾いて、「C」と「B♭」のコードを弾く。3Fと1Fで、もちろんスライドっぽく下からせり上がるように。４回目は６弦7F、9F、５弦8F、12F、４弦12F、５弦12F、10F、8F、8F、４弦0F、「F（10F）」「G（12F）」となる。

途中でこのリフがオクターヴ高くなる。ヴォーカルが１オクターヴ上がったのに合わせる形だ。この時も非常に便利なのが、オープンＧ・チューニング。最初のリフは６弦５弦４弦で弾いていたが、それをそのまま３減２弦１弦で弾くだけだ。フィンガリングはまったく同じ。そもそもチューニングが低音弦３本と高音弦３本でオクターヴになっているのだから当たり前だ。

ノーマル・チューニングだと、２弦と３弦のチューニングが他と音程差が違うためにフィンガリングが変わってしまう。それでもあえてノーマル・チューニング用にざっと書いておくと、６弦10F、12F、５弦10F、14F、12F、10Fというような感じになるが、その後の低い「G音」は諦める。あった方が断然カッコいいが、６弦3Fなので、ポジション移動が激しい上にすぐに次の音があるので仕方がない。

２～４弦のチューニングは変わらないので気にしなくて良い。だからオクターヴ上げの場合も３弦と２弦はオープン・チューニングの時と同じで、１弦だけ気にすれば良い。しかも１弦は１音だけだ。

曲構成を見るためにコード進行を記す。Ａパートは、リフのところだが、「G」「G」「G」「D」「G」「C」「B♭」「G」「G」だ。Ｂパートはバンドで合わせ部分で、コードで出来たリフのように弾く。「D・C/B♭G・B♭G」「G」「F・D/CG・B♭C」「C」「D・C/B♭G・B♭G」「G/B♭」で、その後、ミッキーのスライド・ソロになる。ソロのコード進行は「C」「C」「C」「C/B♭」「G」「G」「G」「G/B♭」で、これをもう１回。結構長いソロだ。一番最後の「G」のところからは、トーキング・モジュレイター使用で変化を出している。恐らくバーニーだろう。

この後、Ｂパートにもう一度戻る感じになるが、スタジオ版では安っぽいエレキ・ドラムの音が入っているのが少し笑える。泥くさいスライドのブルースに当時最新鋭のエレキ・ドラムの音の取り合わせ。その対比の面白さを狙ったものだろう。

ドラムといえば、この曲のドラム・パターンはマーチング・バンド形式になっていて、スネアを「タカタカ タッタカ」と叩いていて、アクセントは８ビートの３拍目ではなく、行進曲さながらに全拍に入る。右!、左!、右!、左!、２拍子だ。

この曲の良さはスライド・ギターもあるが、何といってもヴォーカルだ。普通のギターよりスライドの方がより人間らしい感じのフィーリングが出るが、人間らしさで言えばもちろんヴォーカルの方が圧倒的に上だ（当たり前）。それを見せつけられるから、スライドの上に乗っかっているヴォーカルはカッコいい。それもほぼユニゾンのようになると、双方の良いところが相乗効果のように表われるように思う。デイヴィッドのようなブルージなディープ・ボイスの持ち主のヴォーカルは最高に相性が良いと思う。

I Don't Know

Ozzy Osbourne [ O.Osbourne/B.Daisley/R.Rhoads ]

Ozzyのソロ第１弾『Blizzard of Ozz』の１曲目を飾り、当時のライブでもよく１曲目で演奏された。長いOzzyのキャリアのほぼすべてのライブで演奏されている。

ドラがフェードインして来る音（テープの逆回転かな？）の後にギターのスライド・ダウンの音（６弦15Fから）で始まり、印象的で分かりやすいリフが始まるという、ランディの曲の典型例。

「A」のコード（４弦と３弦の2F）を鳴らし、２拍目から４拍目までは５弦開放（A音）をブリッジ・ミュートで16分で刻む。続いて「B」（２本の弦の4F）を鳴らし、同じようにミュートの16分を刻む。更に「C」（２本の弦の5F）に16分の刻み。そして２拍ずつ「G」と「D」のコード。実に分かりやすい。「G」と「D」のところはノーマル・ハーモニクスの場合もある。「Crazy Train」等と並び、つい弾きたくなってしまうリフだ。

ちなみに、ライブでは合間合間にオブリガードが入る。それがかなり個性的。強力なピッキング・ハーモニクスが多いが、トリルや開放弦を利用したもの、低音でのもの、ノーマル・ハーモニクスと色々ある。歴代ギタリストの比較をする際に、オブリに注目するのも面白い。（例、ジェイクはまったく独自の細かいフレーズを入れ、ザックはランディと同じような路線で勝負等）

とりあえずここでは一番最初のヴォーカル前に入るオブリを見てみよう。弾き方は、２弦1Fと開放を３回、３弦2Fと開放を２回、４弦2Fと開放を１回、５弦3Fと開放という具合だ。シンコペーション的に最初のをもう１回多くやる場合もある。ピッキング・ハーモニクス気味に弾くと感じが出る。

何回か後には超早弾きのオブリもあって、弾き方はシンプルだがとにかく早いというのがある。３弦の5F、4F、2Fをハンマリングとプリング・オフを繰り返すパターンだが、１拍で３回ハンマリングとプリング・オフをするので、６音鳴っていることになる。１小節で24音だ。

リフもライブでは少し弾き方が違っていて、２つめのコードはオクターヴ上も一緒に弾いているように思う。つまり押さえ方は、４弦から１弦にかけて、4F、4F、7F、7Fとなる。次のコードも同様。

その次のパートのコード進行を見ていくと「G」「F」「G」「F」「G」「F」「F/ConE」「D/C・G」で最初のリフに戻る。

「F」の部分はアルペジオっぽいフレーズだが、８分で４弦3F、３弦5F、４弦3F、２弦6F、３弦5F、１弦3Fと弾く。３回目はこれをダブル・ピッキングで２音ずつ16分で弾く。曲の後半ではディストーション系のエフェクトを更にONにして（すでに充分歪んでいるのに）、「ジョォワァァァー」という音を出すというフレーズ以外でのオカズを入れている。（バンド・メンバーは「フライパン」と呼んでいたという話しを聞いた気がする）

次のパートは、スタジオ・バージョンとライブとでは結構弾き方が違っていて、スタジオ・バージョンは「Dsus4」的な感じで弾く。スタジオ・バージョンはよく譜面が出ているので、ここではライブ・バージョンを優先するが、まず５弦開放を８分で２回鳴らした後、３・４弦の7Fをダブル・チョーキングとチョーキングなし、そして7Fと5Fの音、２小節目の３拍目と４拍目が「C」と「G」。この繰り返しだ。

そしてミドル・セクション。テンポが半分になり、曲調はガラッと変わる。そして私が好きなパートでもある。

コード進行は「D」「DonC」「DonB」「F」の繰り返し。このパートでランディは３本のアコースティック・ギターで色々やっている。よりメロディックなのだが、ここでは一人で弾けるライブ・バージョンを取り上げよう。

まず、ライブではギタリストは一人なので、音はそのままで優しいピッキングに変えて弾いている。コード・アルペジオとメロディ、ところどころにオブリガードという感じのプレイだが、こちらもなかなか聴き応えがある。

まず最初の「D」は、１拍目にコードを鳴らし、ヴォーカル・メロディと同じタイミング（１回目はヴォーカルはないが）で２減でメロディを弾く。「DonB」のところは「G」かもしれないが、それれは明確に「G音」を鳴らしているからだ。「D」なら４度の音になる。

「F」の時が色々変わり、6thや9thの音も使っている。１回目は多分６弦1F、４弦0F、３弦2F、２弦3F、3F、2F、0F、３弦0Fでのアルペジオだろうと思う。２回目は２・３弦の10F、３弦の12Fのハンマリングとプリング・オフ、３・４弦の10F、４弦12Fのハンマリングとプリング・オフ、以下省略、３回目は６弦1F、１弦3F、３弦0F、４弦3F、１弦3F、３弦0F、１弦3F、5Fではないか。１弦3F、３弦0Fは9度の音、もしかしたら２弦0F（♭5）の音も入っているかもしれない。

あともう１～２パターンある。

それからソロだ。基本的にGマイナー・ペンタトニックでのプレイだが、ところどころにトリッキーなフレーズが散りばめられている感じだ。２弦10Fを押さえておいて、13Fをピックでタッピングするトリル技や、半音ずつ下がっていってスケール・アウトしたものなど、弾いていてなかなか楽しい。早弾きもあるが、結構キチッとしているので意外と弾きやすい。全部コピーしても損はないものだ。公式にはランディのライブは２種とスタジオ・バージョンがあって、どれも同じ構成のソロになっているが、よく聴くと結構あちこち変えて弾いている。ランディも楽しみながら気分で色々弾いていたということなのだろう。

ちなみに、ジェイクはこのソロを、少しだけ長く繰り返しを増やしたが大筋で似たような構成、ザックはほぼ同じように弾いていた。

見てきたように、この曲には様々なオブリガードが入っている。入れられるスペースが沢山あるということだし、ランディをできるだけ尊重しようという前提でも、ランディ自身が色々なオブリを毎回違った感じで様々に入れているのだから、勝手に色々入れても冒涜にはならないだろう。曲としてきちんと成り立ちながら色々遊べる曲というのは最高だと思う。キッチリと作られている場合が多いメタル曲にはなおさらだ。曲自体にダイナミクスもあるし、ライブ向きの曲と言えるのではないかと思う。

Hallelujah, I Love Her So

Ray Charles [ Ray Charles ]

1950年代のロックンロール・オールディーズ曲。結構有名な曲でたくさんの人がカヴァーしている。

50年代のオールディーズというと単純な３コードの曲かと思うが、この曲は結構複雑だ。パッと聴くと他の３コードの曲と同じように聴こえるので、私も長い間特に気にしていなかったが、最近テレビで偶然に耳にして、意外に面白そうな曲だと思い、初めて音をとってみた。どう解釈して良いか分からない部分もあったが、ネット上に大量に弾き方等が出ているので、それも参考にした。なかなかカッコいい曲なので、是非どうぞ。

まずメイン・リフ。キー「A」として、「ラ、ド#、レ、レ＃ーミ」（ベースはもう少し動くが）というのは単にコード「A」に対するありふれたリフ。これを繰り返すような曲だが、アレンジの妙で素晴らしい曲になっている。

この２小節に渡るメインのリフにコードをつけてみる。ずっと「A」として弾いても悪くはないが、それぞれにコードを当てた方がリフが強調され、それだけで曲っぽくなる。

「A/AonC#」「D/D#dim7・E9」となる。最後の「E9」は「E」や「E7」でも構わない。これを２回繰り返し、次の展開に移る。

ざっとコード進行を書いておくと、「A」「A7 (A7#5)」「D」「D#dim7」「A/C#7」「F#m/D7」「B7/E9」「A」となる。「A7#5」は４拍目にジャッと入るだけだが、ちゃんと弾いた方がカッコいい。「E9」のところは「E69」とかただの「E」でも大丈夫。それよりもシンコペーションする部分など、リズムに気を付けて弾くべきだろう。

コードで注目すべきは「A/C#7」「F#m/D7」の部分で、最初のリフに対し、もう１種類別にコードをつけた感じになっていて、こちらの方がよりドラマチックになる。特に「C#7」が効いている。「F#m/D7」もスムーズに弾くために、ギターの場合、「F#m」を高めの10Fセーハの形で抑えた場合、「D7」も10Fセーハの形か、４弦→１弦の順に「7F 7F 7F 8F」と弾く。

続いてＢパート。「D」「Ddim7」「A」「A7」「D9」「C9」「B9」「E9」がコード進行。最後の9thの連発はナシでも雰囲気は出る。Beatlesがカヴァーした音源なんかはかなりシンプルに直している。

結局パートはこれだけだ。こんなにシンプルな作りなのに素晴らしい曲だ。おそらくレイ・チャールズはピアノなので、「リフに合わせてコードを弾いていると、結果こういうコード・ネームにになりました」ということなのだろう。「A」のコードとリフのメロディを意識して弾くと自然にこんなコードになる。

Friday On My Mind

Gary Moore [ H.Vanda/G.young ]

The Easybeatsのヒット曲のカヴァーだ。1987年のアルバム『Wild Frontier』収録。

個人的には素晴らしいカヴァーだと思う。オリジナルのEasybeats版はモロに60年代のビート・バンドっぽい感じで、Beatlesの出来損ないのような雰囲気があったが、ゲイリー版は80年代仕様にブラッシュアップされてカッコ良くなっているし、ちょっとダサかったアレンジも見事に修正されている。オリジナルと比較しながら見ていくことにしよう。

まずテンポが随分遅くなった。と言っても、スローになったのではなく、Easybeatsが早すぎたのであって、ゲイリー版は普通に感じる。

そして印象的なギターのリフがキーボードに変わっている。２つめのコードは「D」にまとめられ、「A」の時のちょっとした変化が省略された。あまり効果的でなかったからやめたのだろう。

「G」のところで歪んだ激しいギターが一発入って来る。ハードロック・ゲイリーがカッコいい。

「B7」のところでリード・ギターがやっていたフレーズをシタールの音で入れている。

コーラス・ハーモニーでやっていたオカズもキーボードやシタールになっていて、だいぶ雰囲気が変わっている。

個人的にオリジナルでダサいと感じていたバンドで合わせる部分（「E/C」「AF#/BE」の部分）のアレンジが大幅に変わっていて、「C/G」「AE/AE」になっている。変な凝り方をするのではなく、シンプルにしたということか。

それから、大きな違いだと思うのが、ゲイリーのギター・バッキングがパワー・コード中心、つまり１度５度の音が強調されているということ。これはどういうことかというと、３度がないということは長短の区別が出来ないということで、「Am」→「A」はずっと同じコードに聴こえるし、特徴的な「B7」のところも「B7」なのか「Bm」なのか「B」なのか分からなくなっている。

もう一つ、結構重要だと思う変更は、サビの中に出て来る「Tonight」のコーラス・ハーモニー。３回出て来るが、１回目は「D」の時、２回目は「B7」の時、３回目はまた「D」になる。オリジナル版は、１回目は「to」が「ミソ#」、「-night」が「ファ#ラ」で、２回目は同様に「ミラ」「ファ#シ」で、３回目は「ファ#シ」「ラレ」となる。２回目の下のパートが１回目と同じで、これはつまり「B7」の調性を示す音を省略していることになる。主旋律に対して５度の音だからだ。３回目も同様。そのせいで少し不思議なコーラスになっている。

これに対しゲイリーは１回目から変化しない。メイン・ボーカルも変化しないので、つまり変化しているのはコードだけになる。「B7」の時のコーラスは５度と７度の音になりコード・トーンだ。このあたりはパワー・コードの多用と関連があるかもしれない。こちらの方がずっと現代的で良いように思う。

が、カヴァーしている他のアーティストのものを聴くとどれも原曲に従っているようだが、気にならないのだろうか？原曲へのリスペクトなのか、慣れすぎて違和感を感じなくなっているからか・・・？

サビでは、結構印象的な「F#7」の部分を、オリジナルは「トゥトゥトゥトゥ」とコーラス・ハーモニーでやっていたが、ゲイリーはキーボードで置き換えている。これでイントロからキーボードを使う必然性も出て来るというものだ。

ゲイリー版はこの後ギター・ソロが入る。ソロといっても、ゲイリーにしてはかなり控え目な部類に入る。まず、ドラムだけ残してブレイクし、キーボードでリフのようなメロディを入れる。曲調にも合わせてややエキゾチックな雰囲気。そしてギターが応えるように入る。キーボードとギターの掛け合いだ。

その後が好きだ。同じキーボードのフレーズを繰り返しながら、「Em」「Em」「GonD」「GonD」「AonC#」「AonC#」「CM7」「CM7」と進むのを２回。下降するベースに対し、ギターは５弦7Fから「ミー」「ラシー」「レミー」「ラシー」とどんどん上がっていって盛り上げる。最後は１弦22Fのチョーキングのトリルだ。そして「E」を刻んだ後、６弦開放をアームダウン。最高音から最低音だ。

この曲ではゲイリーのアレンジ力や曲の解釈の力が発揮されていると思う。原曲以上にカッコ良くするカヴァーは最高だ。それにゲイリーが変更した部分のいくつかは私もオリジナルを聴いて同意見だった部分なので、それも嬉しかった。