Overture 1928

Dream Theater [ Dream Theater ]

Dream Theaterの名盤『Metropolice Part2』の実質1曲目だ。文句なく最高にカッコいい曲で、壮大な映画のイントロのようだ。この曲の前に小曲『Regression』（これも重要な曲だが）があるが、バンドとしての演奏はこの曲から始まる。

凄まじいイントロの後の一瞬の休符が最高にカッコいい。時間が一つのテーマになっていて、前の小曲は現在から過去へ遡るところで終わっている。そしてこの一瞬の休符から後が、物語の舞台となる1928年の中の世界の始まりだろう。まるで映画の始まりのようで、1928年の街並や行き交う人々、馬車などが見えるようだ。

これから始まる新しい物語、そしてそれはフラッシュバックのようでもあり、すでに経験していることのようでもある。このような矛盾を曲で表わしているようで素晴らしい。論理的には説明出来なくても、音楽で表現することは出来るのだ。

キレの良いギター・リフとドラムで1928年を紹介すると、続いて壮大で叙情的なキーボードが登場する。物語の登場人物たちを見ているようで、とても重要なパートだ。

コードは「A」 「B」 「A・E」 「F#」 「A」 「B」 「C」 「D」だ。「A」から「B」へ行くところが壮大だ。後半の転調するような部分もカッコいい。

この後、キーボードソロとギターソロの部分があるが、ここの最高にカッコいい。キーボードソロのパートは最初のギターのリフの部分の繰り返しで、コード的には「D」と「D#11」。

ギターソロはテンポが半分になる。「Bm」 「G」 「Em」 「D・A」という部分だが、とても感動的だ。

ところが直後に曲調が一転する。ここがDream Theaterの真骨頂。「F#7」で変拍子だ。3拍子を挿むと考えるのか7拍子と理解すれば良いのか・・・。

Dream Theaterの曲にはつきものだが、ギター、ベース、キーボードがユニゾンになる部分が何箇所かある。聴いている分には気持ち良いが、いざ演奏するとなるととんでもなく大変なパートだ。少しでもズレるととても目立ってしまう。

終盤にはキーボードの超早弾きが登場する。トップ音だけ変わるだけのコードトーンなのだが、それにしても早い。結構テンポが早い曲にも関わらず、正確な32分音符だ。

演奏するには相当のテクニックを擁する部分がめじろ押しで、そのハイテクニックも聴きどころになる。

時間にするとそんなに長くない曲だが、展開がいくつもあり、1曲でお腹いっぱいになりそうな盛り沢山の曲だ。

It's All Right(Piano Version)

Minstrel [ H.Shirakawa ]

先日、初めての屋外ライブを行ったのだが、そのライブでの最後の曲で、唯一のオリジナル曲がこれだ。オリジナルといっても私の曲ではなく、バンドのリーダーの作曲で、多分以前から何度も演奏されている曲だろうと思うが、私にとっては新鮮な曲だ。

バンドの曲なので、もちろんギター、ベース、ドラムの編成で演奏されるものだが、ここでは私が勝手にアレンジを変えてピアノ・バージョンにしてしまったものを紹介する。

原曲通り、シャッフルのリムズが気持ち良い曲で、作りはシンプルだが、そのシンプルさが良い。シンプルで元気良く、しかもシャッフルのノリでありながら、マイナーコードが多く出て来るあたりのバランスがこの曲の味だと思う。単純でノリ一発のようでいながら、後で何か考えさせるような雰囲気もある。

歌詞も分かりやすくノリ重視なのだが、ピアノ・バージョンでは歌はなし。

ピアノ・バージョンといっても大きく編曲し直したわけではなく、たんにピアノで弾いている状態に近い。

ギター・ソロもそのままピアノで弾いている。このソロ、結構好きだ。当たり前なのだが、他人が考えたソロは自分で弾くものとは違うタイプになり、ある意味、挑戦になる。別にテクニック的に弾けるとか弾けないということではなく、自分なりに消化して納得いくフィーリングで弾けるかどうか、ということなのだ。つまり、他人が考えたソロであっても、最後には「自分のソロ」と言えるだけのものになっていなくてはならない。そうでないなら、ソロは新しく考え直すべきだろう。

ピアノ・バージョンでは、ギターの単音をそのまま弾いたのでは少し寂しいのでハーモニーにしているが、基本的なメロディは同一だ。エンディングだけ早弾きにして変化をつけた。

1音を比較するとギターの方は存在感がある。ピアノは早弾きも簡単なので、フレーズに困ると早く弾いて誤魔化してしまうところがある。

[ 出だしの50秒くらいだけ音が聴けます ]

iWorld

Minstrel [ Original ]

久しぶりに作ったオリジナル曲。このタイトルのつけ方は、「iMac」やソフトの「iTunes」等と同じ感覚で、Macユーザーなら愛着のあるものだと思う。しかしこれはダブルミーニングになっていて、もう一つ別の意味がある。

この曲は、最初に4つのコードが浮かんで、これが柱になっている。ありふれたコード進行だが、ギターで弾くとなかなか感じが良い。「DM7」 「Bm7」 「E9 11」 「A13」だ。それぞれのテンションノートがなかなか気持ち良い。ピアノ等で弾くと、コードを構成する音がそう変わっていないことが分かるだろう。

ギターソロは少し変わったコード進行になっている。最初の部分が「E」と「F#」の繰り返し、次が「Bm」 「Bm」 「E♭onG」 「F#」の繰り返し。ここから次の出だしの「G」へ入る。どうしても変わったソロになる。アドリブで弾いているのだが、なかなかハマるソロが弾けずに何度も弾き直した。

エンディングのピアノのソロがかなり気に入っている。ソロというほどのものではないのだが、これもギターソロ同様、アドリブで弾いたものだ。うまく曲にマッチしていて、エンディングらしい感じも出ていると思う。

この曲、本来は歌詞をつける予定だったのだが、今だに歌詞は完成していない。

だいたいの構想はあるのだが、なかなか現実のものとならない。だいたいの内容としては、「iWorld」とは「自分の世界」という感じだが、これは同時に誰か特定の人の世界でもある。彼氏、彼女かもしれないし、親兄弟かもしれないし、まったく知らない相手かもしれない。そういう相手が突然どこからともなく自分の前に現われて、また消えて行く。そんな人生の出会いや別れ、そして自分の世界観を曲にしたものだ。

[ 音は悪いですがエンディングの50秒だけ音が聴けます ]

Arabesque #1 E-Major

C.Debussy [ C.Debussy ]

1888年に出版されたドビュッシーの『2つのアラベスク』は、「ロマン時代のサロン曲のスタイルを反映した優雅で魅力的な曲」といわれている（調べてみた）。いまいち時代背景等は分からないのだが、ドビュッシー独特の印象派的な美しさの曲だということは分かるし、曲全体としては三部形式になっている。展開がある曲が好きな私向きの曲だ。

怒濤のような1999年、そして終わりゆく20世紀を想いつつ癒される。少し涙がにじむ。

美しいアルペジオから始まって、3連符が見事なパートに入る。左手は普通の8分音符なのに対し、右手が3連符と、弾く人は結構苦戦するだろう。

イントロのアルペジオは「A」 「Gm」 「A」 「E」 「F#m」 「B」という、意外なほどシンプルなもの。最初の出だしが「C#音」のせいか、はたまた次の小節に移る直前に経過音の「F#音」があるせいか、音をとってみて初めて「なんだ、たんなる『A』か」と気付く。

最後の「F#m」から「B」の部分での一番下の音が「F#音」から「E音」 「D#音」 「C#音」そして「B音」と下がっていくところがカッコいい。

問題の3連符も、音的にはシンプルそのもので、あえてスケール名にするなら「Eメジャー・ペンタトニック」ということになる。これを「ペンタトニック」というのはちょっと雰囲気が違うようにも思うが、ともかく音的にはそうなのだ。それを「ミファ#」「ド#ミ」「シド#」「ソ#シ」「ファ#ソ#」というように、一つ下から一つ上へというパターンで降りていくだけ。しかしこれを上記のような2音ひとまとめではなく、3連符のノリで弾くから難しい。そして美しい。

この3連符の部分だけでも弾けるようになりたいものだ。

以前これを弾いている人の指を横で眺めていたことがあるが、細くてしなやかでとても美しいと感動したことがある。音楽が美しいからそう感じたのか、弾いていなくても美しい指だったのかは分からない。

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Smoky

Char [ Char ]

日本が誇る偉大なギタリスト・Charだが、実はそれほど知らなかった。もちろん、有名なこの曲は知っていたが、それでも数回聴いただけだったし、そもそも聴いた頃は思いっきりメタル・ギターにはまっていた頃だったのでピンと来なかった。

それが、武道館にライブを見に行くことで予習のために色々聴きあさったのがキッカケでハマることになった。

今までほとんど聴かずにいたのが残念に思うほどカッコいい。今日は代表曲中の代表曲のこの曲を紹介するが、他にもカッコいい曲はいくらでもある。

何がカッコいいか。まず第一にギター・サウンドだ。ハッキリ言えば古くさいサウンドなのだが、極上の古いサウンドだ。こういうのを「古き良き時代の音」と言うのだろう。とても生々しい。Charと言えばムスタングを思い出すが、この曲の音は何だろう？いずれにしてもシングルコイルのストラト系であることは確かだろう。

サウンドが最高にカッコいいのが分かるのは終盤のギターのカッティングの部分だ。チャカチャカと弾いている部分をジックリと聴いてほしい。

さて曲だが、Charの曲はジャンル的にはロックだが、シンプルでありがちなロック・コードにいくつもヒネリを加えている。ありがちなコードとは、つまり「C」とか「Em」とかのことだが、Charはそれに色々なテンションを加えており、フュージョンのような音を出す。この曲で多く出て来るのは「Dm9」だろうか。リズムも16ビートでとてもオシャレに聴こえる。

イントロがなかなか難しい。難しいのはリズム・タイミングだ。簡単に聴こえるのはバッチリ決まっているからだ。スネア2発で曲が始まっている。本当はカウントが入るのかと思っていたら、ライブでも2発だけで曲に入っていた。

最初のコードは「Gm7onC」だ。押さえ方は2フレットをバレーしているだけだろう。これが半音ずつ上がっていくだけだ。16分の裏なので、体で覚えるしかないだろう。

コードだけでなく、ソロ・プレイでもフュージョンっぽさが漂っている。出だしに大胆なアームがトレードマーク的に出て来る。全弦の7フレットだろうか。コードでいえば「Bm7」か。大胆なアームから間髪入れずにソロに入るスピード感がたまらない。

フュージョンっぽいのはコードを感じさせるフレーズが多いからだろうか。それも9thの音を感じさせるものだったりすることろがミソだ。Jeff Beckっぽい感じもするが、あくまでロックの骨っぽさ、気合いが含まれているのが気持ち良い。中間のソロなどは素早いフレーズも出て来て、聴きどころ満載だ。

この曲で忘れてはいけないのはベース&ドラムの好プレイだ。ベースはかなり動き回っていてグルーヴを作り出す。ドラムも決めるところは決め、シンプルなビートを叩き出すところは安定感があり素晴らしい。ハイハットなどは最高だ。

Loveマシーン

モーニング娘。 [ つんく ]

ハッキリ言わせてもらう。私はこのような曲は嫌いだ。音楽的に何が面白いのかまったく分からないし、曲もつまらない。歌も下手だし、あんなに沢山で歌うのに、ハーモニーもない。聴いたことで感動や教訓など、何かを得ることもない。それが売れれば良いだけのポップスと言えばそれまでなのだが・・・。なぜここにエントリーされているのか。もちろん個人的観点のみの判断だが、評価できる部分があるからだ。

否定的な意見は一通り挙げた。これらの要素はダメだということだ。それ以外で、何があるか。

「元気」「楽しさ」だ。「なぁんだ」と言わないでほしい。実は、音楽で一番重要なものはコレではないだろうか。楽しくやれないなら「音楽」ではないだろう。

バブル崩壊後の不況が長引く中、若い女の子たちがバカ丸出しで元気に歌う。何度かテレビで見たが、バカバカしいほど明るい。

こんなことを言うと、私はすっかりオヤジのようだが、個人的趣味から言って、彼女たちはあまりタイプではない。中学生の文化祭のようだし、「プロフェッショナル」という感じはない。

しかし、それが良いのだ。仕掛人のつんくも実はそれを狙っているのではないか。「こいつらバカじゃないか。まぁいっか。明日も頑張ろ」って感じだ。

今日はコードや曲展開の話しもアーティストの話しもないが、これも立派な音楽論だと思っている。

我は海の子

唱歌 [ 文部省唱歌/宮原晃一郎 ]

日本人の心にしみる曲ではないだろうか。曲も歌詞も最高だ。明治時代からある古い曲のようで、誰が作曲したかも定かではない。

明るい青空ときらめく海。そして真夏の入道雲。懐かしい故郷や子供時代。

私の故郷には海はないが、それでも楽しい子供時代を思わせる。どういうわけか聴くたびに涙がにじむ。

われは海の子、白波の

さわぐいそべの松原に

煙りたなびく苫屋こそ

我がなつかしき住みかなれ

「白波の」のところでメロディが上がっているのに、「さわぐ」で更に上がる。気持ちが一気に高揚する。

「煙り」の部分は起承転結の「転」の部分だ。最高の「結」へといざなう。懐かしさへ結びつけるとは！

「苫屋」とは、要するにボロ家ということだろう。そのボロ屋こそが大切な故郷なのだ。二度と戻れない心の故郷。どんなに金を出しても権力があっても絶対に戻れない大切なものだ。

生まれて潮に浴(ゆあみ)して

波を子守の歌と聞き

千里寄せくる海の氣を

吸ひて童(わらべ)となりにけり

これは2番だ。1番を受けて同じ路線になっていて涙を誘う。「懐かしさ」を回想するように、幼い日を思い出すのだろう。本当に海で育った人には更に心に響くだろう。

3番や4番も同様の歌詞が続くが、実は終盤は軍歌のようになっている。おそらく小学校などではせいぜい3番までくらいしか教えないのだろう。

曲の舞台は鹿児島ではないかという説を聞いたことがあるか、そんなことはどうでもいい。無邪気に遊び、笑った幼い記憶・遠い時代が舞台だ。

[ ピアノで即興で弾いた時の映像が見れます(キーは適当) ]

Songbird

Kenny G [ Kenny G ]

この曲を初めて聴いたのはいつのことだっただろうか。周囲の空気が一辺におだやかな優しさに包まれた思い出がある。自分にはない雰囲気、価値観、目標、生き方の尊厳のようなものを感じた。彼の曲を色々聴いたが、最初に出会ったこの曲が一番だ。

この曲で感じたイメージと重なった不思議なイメージがある。

ある夏の早朝、人のいない公園。木陰のイスに座って、とても穏やかに流れる時間を過ごしている。時折、下に見えている池を魚が跳ねる。池の魚が跳ねるということを初めて知った。周囲をぼんやりと眺め、何をするでもない時間が経過していくだけ。この世からこの場所だけが独立しているかのような感覚に包まれている。

こんなイメージだ。もちろん個人的なイメージなので、この曲とは直接的に何の関係もない。第一、「Songbird」というのに、どこにも鳥が出て来ない。しかし、誰にとっても、その美しい鳥は本当はすぐそばにいるのかもしれない。だからといってそれは近いものなのか、遠いものなのか、誰にも分からない。

「Songbird」とは、音楽用語では「女性ボーカル」の意味で使う場合が多い。本来は「美しい声の鳥」という意味で、そのまま曲のイメージ通りだが、当然ながら「美しい女性」というイメージも出て来る。関係ない話しだが、なぜ宝石が美しいのか分かる気がした瞬間があった（個人的に宝飾品には全く興味がない）。それは美しい女性の瞳みたいだからではないだろうか。涙に潤んだような瞳は宝石のようだ。

Kenny Gのサックスに話しを戻す。おそらくソプラノ・サックスだろう。本当に優しくて穏やかでエモーショナルだ。「この曲を聴いてなごんでいるんだ」と言った人がいた。「なごむ」という言葉がとても心に響いた。「気持ちが穏やかになる」とほとんど同じ意味だが、ニュアンスが微妙に違う。

メロディにおいて、高音になればなるほど主張が強くなって、音量を大きくしたり、逆に周囲を小さくして目立つようにしたり、とにかく強烈になる場合がほとんどだ。 しかしKenny Gのサックスはそうではない。時に力強くなることもあるが、高音も優しく響く場合も多い。 彼は演奏中、アドレナリンが溢れるのだろうか?

Love Is All Music

華原朋美 [ 小室哲哉 ]

「日本のMariah Carey」とも呼ばれたらしいが、ちょっと比較するのは無理があるように思う。全般に音程が不安定でシャープ気味になっているのが気になってしまう。Mariahのような音域やダイナミクスは期待出来ないし、エモーションも比較出来ない。 しかし、ここでは文句を言いたいのではない。気に入っているからこその選曲だ。

華原の人気の第一の理由だが、何といっても顔や雰囲気がかわいらしい。これだけで音程の問題など許してしまうのだから男なんてバカな生き物だ。「ホッとした瞬間、シュンとした瞬間」という歌い出しがかわいい。一度テレビで歌っているのを見ただけだが、彼女は微笑みを浮かべながら歌っていた。それだけで説得力が増す。やはり男なんて・・・。

サビを伴奏する際、「A音」を強調する（トップにする等）となかなかキレイだ。「F」「Am」「B♭」「F」のうち、「B♭」を「メジャー7」扱いにするわけだ。原曲がどうなっているかわからないが、その方が好きだ。

途中の「夜明け頃」の部分はあまり好きではない。具体的すぎるからだ。英語の曲の場合、あまり細かな設定をしていないものが多い。そのため、もちろん具体性は落ちるが、聴く人によってどのような状況にも合い、考えさせられ、感動を呼ぶ場合が多いように思う。具体性が強ければ強いほど限定されてしまい、まるで人ごとのようになってしまう気がするのだが・・・。

比較的たんたんとした曲だが、最後の部分のサビの繰り返しで、イキナリ半音上がる部分がある。そして、それまでは「Love is～」と歌っていたところを「愛がすべての～」に変わる。ここの部分が最高にエモーショナルで強いメッセージ性を感じる。そして女性ならではの母性というか、圧倒的な包容力を感じさせることが出来れば、もう他はどうでもいいくらいに最高だ。

以前、日本語の曲ばかりでバンドを組んでライブをやりたいと思った時期があって、その際にはこの曲をやってみたいと思ったものだ。もちろん女性ボーカルで、この「愛がすべての～」をいかに歌うかがすべてだと思った。

Oh My Love

John Lennon [ J.Lennon ]

アコースティックギターとピアノ。美しく優しく、せつない曲だ。静かに始まり、静かに終わる。冬が終わり、春になろうとするこんな日に似合うような気もする。

「Oh my love for the first time in my life」と言い、「My eyes can see」と言う。ジョンもヨーコも再婚・子持ちだし、当然「first time in my life」であるはずもないのだが、それをあえて「first time」と歌う。真の愛はこれが初めてなのだ。 その告白に合わせるように、正直に一生懸命相手に伝えようとしているピアノがまたせつない。か弱い感じでありながら、色々動き回るフレーズがそう感じさせるのか。 このピアノはJohnではないだろう。 「出会った時から僕は目が見えるようになった」と歌う。「世界中のすべてのものが生まれ変わったように見える」と。ふと、その逆もあるのではないかと思った。

コード的には「Am」「G」「C」を中心にしたもので、全編似た感じだ。しかし1箇所、とても気に入っているのはサビの部分。やはり「Am」「G」「F」「C」なのだが、2度目は「F」の部分が「Fm」になる。（音をとらずに書いているので少し違うかも。2拍ずつメジャーからマイナーになるのか）「G#音」がせつない。これは『Imagine』で使われるコード「E」と似ている。「G#音」は「E」のコードトーンでもあるからだ。

ピアノの音にメロディ、そしてジョンの優しくもどこか寂しそうな感じもする歌。どこまでもせつない曲だ。

しっとりと歌うとキレイだろうから、ギターとピアノで演奏してみたかった曲でもある。