Be My Baby

The Ronettes [ J.Barry/E.Greenwhich/P.Spector ]

1960年代初頭にアメリカで2位になったヒット曲。The Ronettesについてはほとんど知識がないため何とも言えないのだが、多分、姉妹+親戚の女性3人組のボーカルグループだと思う。曲もただ1曲、この曲を知っているだけだ。

どこが好きかと言えば、サビだ。他の部分と比べ、半分くらいのスピードでゆったりと「Be my, be my Baby」と出て来る。しかもこれはバック・コーラスの形でのハーモニーだ。メインのボーカル・ラインはその合間にオブリガード的に歌詞を入れている。私はこの手のアレンジにとても弱く、一発で参ってしまう。

（個人的にこういうサビのアレンジを「Be My Baby的アレンジ」と呼んでいて、多分今後もここで取り上げることになると思う）

ボーカルのわざとらしいビブラートが演歌チックで気になるが、この曲はほとんどこのサビだけで決まり！だろう。

この曲を作曲し、プロデュースもしているのがPhil Spector。Beatlesの『Let It Be』をプロデュースし、Paul McCartneyが激怒したというエピソードで知られ、1970年代とはJohn Lennonとの活動でも有名。また「To Know Him Is To Love Him」の作曲者でもある（この曲も大好き）。

Ronettesのリードシンガーの Veronica Bennett と結婚をしている（後に離婚）。

彼の音作りは、当時流行った、というか Phil が流行らせた「Wall of Sound」と呼ばれるもので、これはギターやピアノ等の特定の楽器をメインに据えるのではなく、多くの楽器を重ね、コーラスも駆使するといった手法のもので、音の壁のようだからつけられたものだ。 個人的には隙間のある音作りが好きなためこの手法は好まないのだが、それでも（今回取り上げたように）彼が初期にリリースした曲には好きなものが多い。

青 春

岩崎良美 [ 芹澤廣明/康珍化 ]

風が踊る グランドベンチの隅

誰かがほら 忘れていったわ ユニフォーム

汗にまみれ あちこち破れかけて

手にとると 涙が出た

ねえ 音もたてずすぎてく青春には

さよならがいっぱい

ねえ 楽しい日々 お願いこのまま

STAY STAY STAY

時よ動かないで

私はまだあなたに好きですって

打ち明けてさえ いないの

くぅ、泣けるねぇ～。

アニメ『タッチ』のエンディング・テーマの曲で、確か選抜甲子園の入場行進曲にもなったはず。

全然せつなくもないのに、高校時代を思い出してせつない気分になるのが不思議。勝手に「ドラマチックでせつない青春」をイメージしてるんでしょうね。

いきなりなぜこの曲かというと、ケーブルテレビの子供チャンネルで再放送しているのを偶然見つけ、しばし見入ってしまったからであった。

私は基本的に曲から入るのですが、この曲の良さは歌詞ですよね。

アニメと連動してか、高校野球のイメージの曲で、途中からは青春賛歌となる。「音もたてずすぎてく」あたりは、誰もが「うんうん」とうなづきながら涙をこらえるところ。私にもそんなクサいフィーリングが今も残ってるんですね～。

曲的には。歌の出だしの静かな部分のバックでリズムを刻んでいるギターがなかなか印象的。Policeあたりに出て来そうなアレンジと言えるでしょうか。

「ねえ」からは一気に音程が上がって盛り上がる。開放的なメロディだからこそ、青春を回顧するイメージと重なる。素晴らしい！サビなどにイキナリ英語を使う歌詞が横行していますが、この曲の場合は英語というまでもないレベルのせいか、かえって分かりやすすぎてジーンと来るなぁ。

最後の2行はなくても雰囲気は伝わると思うのだが、これに変わる素晴らしい詞が思いつかないので、良しとしよう。

Crying In The Rain

Whitesnake [ D.Coverdale ]

来日中のWhitesnake。地味ながらブルージーで渋いハードロックバンドだったのが、突如、派手派手ギンギンのヘヴィメタルバンドに変貌した1987年。そのアルバムの1曲目を飾るのがこの曲だ。この曲はブルージーな時代のリメイクで、昔のバージョンを比べるのも面白い。

ここで取り上げるのは派手派手な方のものだ。

個人的にはブルージーな時代の曲にも好きなものが沢山あるが、ほとんど別のバンドに近いので「どちらが良いか」と問うのはナンセンスに思う。たんに好みの問題になるからだ。

ヘヴィメタル・ソングに聴こえるが、よく聴けばブルージーな要素は沢山ある。ドラムの手数が多くなったもののリズムは同じだし、ボーカルもブルージーな音使いだ。

さて、曲の聴きどころは沢山あるが、基本的にはギターとボーカルだろう。Whitesnakeのボーカルはいつでも最高だ。パワフルでワイルドでセクシーで、シャウトも低い声も最高だ。

ギターは圧巻だ。まず何と言ってもあのズ太い音。レスポールの音だが、一体、いくつのギターが重ねてあるのか想像もつかないが、ブ厚い音になっている。リバーブが深めにかかっているので、余計にブ厚さを感じさせる。

リフはブルージーな時代のものそのままだが、粘りのある弾き方のせいか、淡々とせずにカッコ良い。刺激的なピッキングハーモニクスの音も最高に決まっている。

そして更に凄いのはギターソロだ。溜め息が出るほど凄まじいソロで、早弾きにつぐ早弾き。無意味な早弾きと揶揄する人もいるようだが、私はそうは思わない。

ビブラートは心を震わすし、早弾きの中に出てくるチョーキングのロングトーンは最高に表情豊か。他の曲でも結構出て来るのだが、John Sykes はこの早弾きとロングトーンの対比が抜群なのだ。

後半に入るとドラムと共にリズムを倍にしているところは驚くばかり。締めのライトハンドのフレーズも、たんにコードトーンを早く弾くようなタイプではなく、ペンタトニックを駆け上がり、最後はまるでビブラートをかけているかのような劇的なフレーズになっている。

David Coverdaleが「マグマが爆発しているようだ」と評していたが、まさにそんな表現がピッタリの、激しく緊張感溢れる最高のソロだ。

フレーズを真似して弾くだけではとても雰囲気は出せそうもなく、ピロピロと、か細い音での早弾きとはひと味もふた味も違う、表情豊かなソロに平伏すしかない。

ソロが終わった後のボーカルもそれを受けるかのように激烈で、ハイトーンが出て来たり、本当にカッコいい。

帰ってきたウルトラマン

団 次郎 [ すぎやまこういち/東京一 ]

子供のヒーロー「帰ってきたウルトラマン」の主題歌だ。なぜイキナリこの曲なのかというと、それは今、2歳半の長男がハマっているからだ。この年齢だと最近のウルトラマン・シリーズよりも昔のシンプルな話しの方が分かりやすくて良いようなので、レンタル・ビデオ屋で借りて来ては見せているのだ。そして、ついに昔から現在までの全主題歌が収録されているCDを買ってしまったというわけだ。

「帰ってきたウルトラマン」は、初期ウルトラ3部作と言われる(?)「ウルトラQ」「ウルトラマン」「ウルトラセブン」から3年のブランクを経て復活したもので、だからこそのこのタイトルなのだ。他のウルトラマンは皆、「セブン」とか「エース」とか「レオ」とか名前があるのに、一人だけ「帰ってきたウルトラマン」というのでは名前らしくないということで、後に「ジャック」の命名されたそうだ。（昔は「新マン」と呼ばれていたのだが）

さて曲だが、まず何と言ってもイントロだ。いや、正確にイントロではない。
ウルトラマンシリーズには主題歌の前にアヤシイSEやちょっとした音楽が挿入されている。30秒ほどの短いものだが、その時、画面には不思議な模様とか光が映され、やがてタイトルがバーンと登場する。音楽もそれに合わせ、摩訶不思議な雰囲気で始まり、やがてカッコ良くファンファーレがなるのだ。

私は「ウルトラセブン」や「ウルトラマンエース」のイントロSEも好きだが、前後のギャップという意味でこの「帰ってきたウルトラマン」にハマっている。キラキラした音と半音階が最高だ。

[ 音は悪いですがイントロSEから40秒だけ音が聴けます ]

このイントロSEに続いて、2秒弱の空白、そして実際の曲のイントロに入る。いきなりブラス入り、ピアノのリフが目立ったロックかと思うような曲調で驚く。

そしてややソフトなボーカルが「君ーにも、見えーる、ウールトラのー、ほーしーっ」となるわけだ。このギャップが面白い。CDを見ると、このボーカルはウルトラマンに変身する郷秀樹が歌っているらしい。

ほとんどの部分は子供の合唱団と一緒に歌っているのだが、一番最後の「帰ーってきたぞっ、帰ーってきたぞっ、ウールトーラーマーン」の「トーラー」だけハモっているところが微笑ましい。郷秀樹が主旋律で、子供が下降していくラインを歌い、「マーン」はオクターブとなる。

この直後の（本来は間奏にあたるはずの）部分が好きだ。音をとっていないので正確でないかもしれないが、キーが「C」だとしたら、「F」から「G」再び「F」へのコード進行の部分が美しい。こんなにシンプルな進行で、しかも出て来る音もコード・トーンにすぎないのに、なぜか切ない気持ちになる時があるのは、子供時代の古い記憶が蘇るからだろうか？

Cowboys From Hell

PANTERA [ PANTERA ]

個人的許容範囲の中でももっとも過激で激烈なバンドがこのPANTERAだ。それまでのメタル・ミュージックのMetallicaとかJudas Priestといったバンドも充分過激だが、このPANTERAは更に上を行く。最高にヘヴィで最高にエネルギッシュなバンドだ。

どんなにヘヴィで凄まじい音楽であっても、音楽の基本であるリズム、メロディ、ハーモニーがなければ嫌なのだが、これ以上ヘヴィなバンドになると最も重要なボーカル・メロディが消えてしまうので受け付けない。

PANTERAも時折同様になるが、基本的にはシャウトしていてもメロディはある。

この曲のカッコ良さは、まずはイントロだ。この手のエネルギーの塊のような曲は、イントロからぶっ飛ばさないことには始まらない。機械的なリズムの中に入り込んで来るギター。来るぞ来るぞと身構えていると、突然フルでベースやドラムが乱入する。最高にカッコいい。何も考えずに「ウォー」と叫びたくなる。

とにかく大音量で聴くべきだ。「元気が出る」なんてものではない。体の内側からエネルギーがほとばしり、アドレナリンが体中を駆け巡る。

ザクザクと刻まれるギター。最高のリフに最高のサウンド。歪みが大きいが、たんにエフェクトで歪ませているだけではこの音は出ない。もちろん、中音域を削り、ハイとローを持ち上げたいわゆる「ドンシャリ・サウンド」で、V字になるイコライジングで作るのだが、それ以上に強くて正確なピッキングが必要なのだ。「ヘヴィで激烈で過激なバンド」と言うと「粗っぽくて雑で下手クソ」とイメージする人もいるかもしれないが、それは大きな間違い。かなりのハイレベルな演奏技術、サウンド技術が必要なのだ。

ギター・ソロではリズムが落ちて聞かせる構成になっているところがにくい。意外にもギターの歪み度は低く、ザクザク感のあるリフとはまったく違うサウンドだ。背後のバッキングと比べるとよく分かる。

Dimebag Darrellのギターは本当にカッコいい。どんなにワイルドに弾いてもリズムは正確で音も乱れない。それはソロでも同様だ。

弾くこと以上に重要で、かつ難しいのは休符だ。休符部では存在を消すかのごとくピタッと音を止めなければならない。多少でもヘヴィ系バンドをやったことがある人なら、大音量での休符がいかに難しいことかご存知だろう。

六甲おろし

阪神タイガース [ 古関裕而/佐藤惣之助 ]

もう今日はこの曲しかないでしょう。あのダメ虎と呼ばれた阪神タイガースが18年ぶりの優勝を飾ったのだ。マジックが減り、優勝目前でありながら前週はヤクルト、中日にことごとく負け続け、今日も劣勢ながら8回に片岡のホームランで同点とし、9回、一死から藤本と片岡の連打と敬遠で満塁とし、赤星が前進守備の右翼頭上を越す安打でサヨナラ勝ち！この2時間後にヤクルトが横浜に大敗して優勝が決まった。予想通り、道頓堀に飛び込む人が多数(5000人超!)、日本中がタイガース一色となった。

この曲は勝利した試合後に高らかに歌われる凱歌で、ナイターの夜空に向かって歌うことほど気持ちの良いものはない。

「六甲おろし」というのは甲子園の背後にある六甲山から吹き下ろす風のこと。甲子園で風と言えば、右から左へ吹く「浜風」の方がずっと有名で試合にも影響を与える。「六甲おろし」は地元でも使わない言葉のようだが、この風、プロ野球のシーズン以外に吹くようだ。作詞した佐藤さんは神奈川の人で、大阪に行った際に「赤城おろし」等のイメージでつけた名前なのかもしれない。

個人的に演歌は苦手なのだが、この曲はよく耳にする演歌よりも更に古い曲のせいか、マイナー調でないせいか、イントロからとても気に入っている。間奏もしっかりしているし、曲としても他球団のものよりもずっと素晴らしいと思うがどうだろう。

この曲は1936年の作で12球団最古。後半の「おぅ、おぅ、おぅ、おーっ、はーん しーん タイガース」と部分の「おぅ」がなぜ「おぅ」なのかと言うと、この曲が「大阪タイガース」時代に作られたからだ。「大阪」の「お」だったのだ。

曲名も本当は「大阪タイガースの歌」で、現在は「阪神タイガースの歌」に改められている。

私は、この曲のCD等の音源としてはThomas O'Malley（元阪神<1991～94>・ヤクルト<1995～96>の選手。1993年首位打者、翌年、長打力不足で解雇）の歌っているものしか持っていない。相当な音痴だが、何と日本語で歌っていて笑える。そんな陽気なオマリーは、今年の阪神の臨時コーチで、ビールかけにも参加してはしゃいでいた。

作曲者の古関裕而といえば高校野球の『栄冠は君に輝く』や東京オリンピックの『オリンピック・マーチ』が有名。この曲名だけでも凄い人だということが実感できるだろう。

それにしても、優勝インタビューでの星野監督の「夢に日付けを入れることが出来ました」は名言だなぁ。

That'll Be The Day

Buddy Holly [ B.Holly/N.Petty/J.Allison ]

1957年というとても古い曲だが、聞き出すと結構ハマる。シャッフルのリズムを刻むギターが気持ち良い。Buddyトレードマークの「しゃっくり唱法」は少ししか出てこないものの、歌を真似てみると曲の楽しさがよく分かる。

それからギターのイントロ！
とても短いイントロだが結構印象に残った。何度も聴いてギターでコピーしようと思ったが意外に苦戦してしまった。

一聴するとカントリー系のフレーズに聴こえたが、よく聴けば単なるアルペジオにすぎない。少し変則なところがあるのと半音ずつ下がる音使いが少しだけカントリーっぽく聴こえる。

Buddyはカポを5フレットにつけて弾いている。カポがないとカントリー系のフレーズだが、カポ付きだと途端にアルペジオになってしまう。同じフレーズなのにニュアンスが変わるのが不思議。

Beatlesも彼のファンで、この曲は『アンソロジー』にJohn Lennonのボーカルで収録されている。Beatlesが他人の曲をやってもオリジナルよりずっとカッコ良くなるのだが、この曲に限ってはオリジナルのBuddyのバージョンの方が良いと思う。Linda Ronstadtのも有名。

Buddy Hollyは初期ロック黎明期の人で、ほとんどがワイルド系ばかりの中、一人メガネをかけ、田舎の好青年という、一風変わったルックスを持つ。「きっといい人だろう」と勝手に想像してしまう。それでいながらテキサス出身のロックンローラーというのだから面白い。

当時は「ロック界のアイドル」的な存在だったようだが、独特の唱法で人気を博した。「しゃっくり唱法」とはPresleyなども得意とするもので、メロディの中のある1音を瞬間的にオクターブ上げたり5度上げたりする歌いまわしのこと。

個人的には、ルックスや唱法ではなく、曲作りがポイント。確か、Paul McCartneyも「自分で作曲するところが素晴らしくて影響を受けた」というようなことを言っていたと思う。この曲の他にも結構有名な曲は多い。 ギター2人にベース、ドラムの編成で、ギタリストが自作の曲を歌うというパターンもBuddyが始まりだったかもしれない。

1954年から活動していたが、人気が出たのはCricketsを結成した1957年から。惜しいことに、実働わずか2年間で、1959年2月3日、飛行機事故で亡くなってしまった。22歳だった。合掌。

Overture 1928

Dream Theater [ Dream Theater ]

Dream Theaterの名盤『Metropolice Part2』の実質1曲目だ。文句なく最高にカッコいい曲で、壮大な映画のイントロのようだ。この曲の前に小曲『Regression』（これも重要な曲だが）があるが、バンドとしての演奏はこの曲から始まる。

凄まじいイントロの後の一瞬の休符が最高にカッコいい。時間が一つのテーマになっていて、前の小曲は現在から過去へ遡るところで終わっている。そしてこの一瞬の休符から後が、物語の舞台となる1928年の中の世界の始まりだろう。まるで映画の始まりのようで、1928年の街並や行き交う人々、馬車などが見えるようだ。

これから始まる新しい物語、そしてそれはフラッシュバックのようでもあり、すでに経験していることのようでもある。このような矛盾を曲で表わしているようで素晴らしい。論理的には説明出来なくても、音楽で表現することは出来るのだ。

キレの良いギター・リフとドラムで1928年を紹介すると、続いて壮大で叙情的なキーボードが登場する。物語の登場人物たちを見ているようで、とても重要なパートだ。

コードは「A」 「B」 「A・E」 「F#」 「A」 「B」 「C」 「D」だ。「A」から「B」へ行くところが壮大だ。後半の転調するような部分もカッコいい。

この後、キーボードソロとギターソロの部分があるが、ここの最高にカッコいい。キーボードソロのパートは最初のギターのリフの部分の繰り返しで、コード的には「D」と「D#11」。

ギターソロはテンポが半分になる。「Bm」 「G」 「Em」 「D・A」という部分だが、とても感動的だ。

ところが直後に曲調が一転する。ここがDream Theaterの真骨頂。「F#7」で変拍子だ。3拍子を挿むと考えるのか7拍子と理解すれば良いのか・・・。

Dream Theaterの曲にはつきものだが、ギター、ベース、キーボードがユニゾンになる部分が何箇所かある。聴いている分には気持ち良いが、いざ演奏するとなるととんでもなく大変なパートだ。少しでもズレるととても目立ってしまう。

終盤にはキーボードの超早弾きが登場する。トップ音だけ変わるだけのコードトーンなのだが、それにしても早い。結構テンポが早い曲にも関わらず、正確な32分音符だ。

演奏するには相当のテクニックを擁する部分がめじろ押しで、そのハイテクニックも聴きどころになる。

時間にするとそんなに長くない曲だが、展開がいくつもあり、1曲でお腹いっぱいになりそうな盛り沢山の曲だ。

It's All Right(Piano Version)

Minstrel [ H.Shirakawa ]

先日、初めての屋外ライブを行ったのだが、そのライブでの最後の曲で、唯一のオリジナル曲がこれだ。オリジナルといっても私の曲ではなく、バンドのリーダーの作曲で、多分以前から何度も演奏されている曲だろうと思うが、私にとっては新鮮な曲だ。

バンドの曲なので、もちろんギター、ベース、ドラムの編成で演奏されるものだが、ここでは私が勝手にアレンジを変えてピアノ・バージョンにしてしまったものを紹介する。

原曲通り、シャッフルのリムズが気持ち良い曲で、作りはシンプルだが、そのシンプルさが良い。シンプルで元気良く、しかもシャッフルのノリでありながら、マイナーコードが多く出て来るあたりのバランスがこの曲の味だと思う。単純でノリ一発のようでいながら、後で何か考えさせるような雰囲気もある。

歌詞も分かりやすくノリ重視なのだが、ピアノ・バージョンでは歌はなし。

ピアノ・バージョンといっても大きく編曲し直したわけではなく、たんにピアノで弾いている状態に近い。

ギター・ソロもそのままピアノで弾いている。このソロ、結構好きだ。当たり前なのだが、他人が考えたソロは自分で弾くものとは違うタイプになり、ある意味、挑戦になる。別にテクニック的に弾けるとか弾けないということではなく、自分なりに消化して納得いくフィーリングで弾けるかどうか、ということなのだ。つまり、他人が考えたソロであっても、最後には「自分のソロ」と言えるだけのものになっていなくてはならない。そうでないなら、ソロは新しく考え直すべきだろう。

ピアノ・バージョンでは、ギターの単音をそのまま弾いたのでは少し寂しいのでハーモニーにしているが、基本的なメロディは同一だ。エンディングだけ早弾きにして変化をつけた。

1音を比較するとギターの方は存在感がある。ピアノは早弾きも簡単なので、フレーズに困ると早く弾いて誤魔化してしまうところがある。

[ 出だしの50秒くらいだけ音が聴けます ]

iWorld

Minstrel [ Original ]

久しぶりに作ったオリジナル曲。このタイトルのつけ方は、「iMac」やソフトの「iTunes」等と同じ感覚で、Macユーザーなら愛着のあるものだと思う。しかしこれはダブルミーニングになっていて、もう一つ別の意味がある。

この曲は、最初に4つのコードが浮かんで、これが柱になっている。ありふれたコード進行だが、ギターで弾くとなかなか感じが良い。「DM7」 「Bm7」 「E9 11」 「A13」だ。それぞれのテンションノートがなかなか気持ち良い。ピアノ等で弾くと、コードを構成する音がそう変わっていないことが分かるだろう。

ギターソロは少し変わったコード進行になっている。最初の部分が「E」と「F#」の繰り返し、次が「Bm」 「Bm」 「E♭onG」 「F#」の繰り返し。ここから次の出だしの「G」へ入る。どうしても変わったソロになる。アドリブで弾いているのだが、なかなかハマるソロが弾けずに何度も弾き直した。

エンディングのピアノのソロがかなり気に入っている。ソロというほどのものではないのだが、これもギターソロ同様、アドリブで弾いたものだ。うまく曲にマッチしていて、エンディングらしい感じも出ていると思う。

この曲、本来は歌詞をつける予定だったのだが、今だに歌詞は完成していない。

だいたいの構想はあるのだが、なかなか現実のものとならない。だいたいの内容としては、「iWorld」とは「自分の世界」という感じだが、これは同時に誰か特定の人の世界でもある。彼氏、彼女かもしれないし、親兄弟かもしれないし、まったく知らない相手かもしれない。そういう相手が突然どこからともなく自分の前に現われて、また消えて行く。そんな人生の出会いや別れ、そして自分の世界観を曲にしたものだ。

[ 音は悪いですがエンディングの50秒だけ音が聴けます ]